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管理人のDTMユニット:YOSAGYO 1st EP『ZERO』4/24リリース
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こんにちは
音楽理論の記事のレスポンスが良いので今日から明日使えるコード進行シリーズを始めようと思います!
不定期での記事更新になりそうですが週1で更新できるように頑張ってみます!というわけで早速一発です。
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sus4を「とりあえず使ってみるか!」の感覚で入れてみる

スクリーンショット 2020-11-12 2.01.04
コード進行に迷った時にsus4が使いやすいのでオススメです。「とりあえず使ってみるか!」ぐらいの感覚で良いのでぜひ使ってみましょう。おさらいになりますがsus4は
  • 完全1度
  • 完全4度
  • 完全5度
が構成音のトライアドです。そのためメジャーでもマイナーでもない独特なコードトーンを持っています。言い方を変えれば浮遊感を持っているコード進行です。この浮遊感を上手く使ってやることでコード進行に捻りが生まれます。

Ⅳ⇨Ⅴの間にsus4を挟んで盛り上げる


ではsus4の具体的な使い方を紹介します。僕がよく使う方法としては
  • Ⅳ⇨Ⅴの間にsus4を挟んで盛り上がりを演出します
Ⅳ⇨Ⅴの進行はSD(サブドミナント)⇨D(ドミナント)の動きになります。これをそのままやるだけではどうしても面白みに欠けてしまいます。そこでsus4を挟み込みます。
  • Ⅳ⇨Ⅳsus4⇨Ⅳ⇨Vsus4⇨V
このようにsus4を挟んでやることでⅣ⇨Ⅴの動きに捻りが生まれます。

sus4を上手く使うポイント

スクリーンショット 2020-11-12 2.04.51
sus4を上手く使うポイントを一つ紹介します。sus4は先ほども述べた通り、メジャーでもマイナーでも無いトライアドのため、使うことで浮遊感が生まれます。
そのため使った場合はメジャー、マイナーどちらかに戻してやることでその浮遊感が解消されます。
  • 例えばⅣsus4を使った場合はⅣに戻してやる
ということです。このポイントはぜひ抑えておきましょう。

sus4/7で哀愁を演出


さらにsus4はsus4/7を入れてやることで哀愁を演出することができます。
  • Ⅵm⇨Ⅳ⇨Ⅲm⇨Ⅳ⇨Ⅴ⇨Ⅵm
のコード進行にsus4/7を追加してみます。
  • Ⅵm7⇨Ⅵsus4/7⇨Ⅵm7⇨Ⅳ△7⇨Ⅲ7⇨Ⅳ△7⇨Ⅴ7⇨Vsus4/7⇨Ⅵm7
何やら呪文のように長いコード進行になりました。sus4/7を使う場合は戻すコードも7にしてやると哀愁感が生まれます。途中でセカンダリードミナントも挟んでやるとかっこいいです。

おわりに

いかがでしたか?このようにsus4は気軽に使えるので積極的に使っていただきたいコードです。特にギタリストはsus4を使う人が多いのではないでしょうか?メジャーコードに小指を足してやるだけでsus4になるコードフォームが多いので僕自身もsus4をよく使っています。
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というわけで今日はこの辺で!ではまた

こんにちは
久しぶりに音楽理論の記事を書こうと思います。今回はディミニッシュコードについてまとめておこうと思います。
一度使い方を理解できると使いやすいコードですのでぜひ参考にしてみてください。
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ディミニッシュコードとは

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ディミニッシュコードはその名の通り、メジャーでもマイナーでもないコードです。
コード表記ではdimと書かれております。先ほども述べた通りメジャーでもマイナーでもないコードのため、少し特殊な響きを持ったコードトーンです。

dim(ディミニッシュ)コードの構成音

ディミニッシュコードの構成音を説明する前にここで少しおさらいをします。メジャーコードとマイナーコード 、それぞれの構成音はなんだったでしょうか?
  • メジャーコードはルートから長3度、完全5度
    pics3832のコピー

  • マイナーコードはルートから短3度、完全5度
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メジャーコードとマイナーコードの構成音はこれらの音で構成されています。マイナーコードはメジャーコードの長3度を半音下げて短3度にすることで導き出すことができます。完全5度は同じです。
さてここで話をディミニッシュコードに戻します。ではディミニッシュコードの構成音は一体何になるでしょうか?
pics3832
  • ディミニッシュコードはルートから短3度、減5度
の構成音です。ルートから短3度で積み上げていくトライアドの形になります。

dim7コードの構成音

さらに5thから短3度を積み重ねたものがdim7になります。
pics3832のコピー3
  • dim7はルートから短3度、減5度、減7度
の構成音です。dim7コードは短3度を積み重ねたコードと考えることができます。
pics3832のコピー5
dim7コードの構成音は全て短3度で積み重ねています。その結果、1オクターブを3音で4等分していると考えられます。
ということは構成音を転回した場合にCをルートにしたdim7コード、D#をルートにしたdim7コード、F#をルートにしたdim7コード、Aをルートにしたdimコード、合計4つのdim7コードが考えられるということになります。Cdim7は構成音がC、D#、F#、A。つまり
  • Cdim7=D#dim7=F#dim7=Adim7
ということになります。これがdim7の最大の特徴になります。
また1オクターブには最大で12音しか存在しないため、残り8つのdim7コードが存在します。
  • C#dim7=Edim7=Gdim7=A#dim
  • Ddim=Fdim=G#dim=Bdim
これらが残りのdim7コードになります。dim7は転回することで4つのコードに変身できるわけです。

1.dimコードの使い方:パッシングディミニッシュ(経過和音)

dimコードはその特殊さ故に使い方も少し癖があります。一番よく使われる使い方はコードの間に経過和音として挟む使い方です。これをパッシングディミニッシュと言います。
例えばF(Ⅳ)⇨G(Ⅴ)⇨Am(Ⅵm)の進行があった場合にここにパッシングディミニッシュを加えてみます。
  • F⇨F#dim⇨G⇨G#dim⇨Am
このようにルートが半音ずつ上がっていく動きになります。

Lisaさんの紅蓮華ではサビの部分でパッシングディミニッシュが使用されています
『誰かのために強くなれるならありがとう悲しみよ』
この『ありがとう悲しみよ』の部分でC⇨D#dim⇨Emの動きでパッシングディミニッシュが使用されています。ぜひどんな響きか聴いてみてください。

2.dimコードの使い方:Ⅴ7の代理コードとして使用する

もう一つの使い方としてV7の代理コードとして使用する方法があります。
pics3832のコピー4
↑G7はG、B、D、Fが構成音
pics3832のコピー7
↑G#dim7はG#、B、D、Fが構成音
このようにG7とG#dim7は構成音がルートのみ半音だけ違う形で響きが似ています。そのためV7のルートを半音上げたdim7に代用するといった使い方です。
先ほども述べていたⅣ⇨Ⅴ7⇨Ⅵmの動きでⅤ7をルートが半音上のdimに置き換えます。僕がよく使うV7の代理コードとしての使い方を紹介します。
  • Fsus2⇨F⇨G#dim7⇨Am9
ⅣとⅥmにsus2や9を加え、Ⅴ7をdim7に置き換えています。
Ⅵm9の前にdim7を置いてやることで不安定さと緊張感が重なり、重厚なコード進行になります。
 
 ↑こちらの動画で(23:50~25:08)でキーは違いますが同じ動きのコード進行で解説しています。

おわりに

いかがでしたか?dimをコード進行に組み込むことで表現力が広がりますのでぜひ使ってみていただきたいです。V7の代理としてdimを使うのは僕もよく使っていますが記事中でも述べている通り、重厚感があるコードの響きになって好んで使っています。
またパッシングディミニッシュはコード進行に挟み込みやすいので曲作りの際に試しに使ってみることをオススメします。
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というわけで今日はこの辺で!ではまた

こんにちは。今日はギターの音作りについてお話をします。
今回はずばりクリーンギターの音作りです。
「クリーンギターの音色に空間系エフェクトをかけて透明感や浮遊感を出したい!」というそこのあなたのために簡単にできる空間系エフェクトテクニックを紹介します。
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クリーンギターはそのまま使うと奥行きが出ない

クリーンギターの音はその名の通りギターに何もドライブをかけていないため、綺麗な音色です。
しかし裏を返せばそのギターの音は素の音そのものです。そのため何も味づけをしなければ逆に浮いてしまう音色になりかねません。空間系をクリーンギターにかける理由としては以下の理由を述べます。
  • クリーンギターの音を他の楽器隊と重ねた時に浮かせないため
  • 立体感を付加してさらに美しい音色にする
  • クリーンギター特有の音の角を取る
  • 浮遊感のある雰囲気を演出する
主にこれら3つの目的として私はクリーンギターに空間系をかけています。

透明感のあるクリーンギターとは


タイトルでも述べている透明感のあるクリーンギターとは具体的にどういう音色なのか?
私からぜひ聴いていただきたい曲はYUIさんの『I remember you』です。この曲のイントロ部分(0:12〜0:24)のクリーンギターに注目していただきたい。
いかがでしょうか?普通のクリーンギターと比べると、奥行きがあり、メロウな雰囲気を感じられませんか?このようにクリーンギターに空間系エフェクトを加えてやることで曲全体の雰囲気を変えることができるのです。
この曲で使っているエフェクトは
  • リバーブ
  • コーラス
二つになります。この二つのエフェクトで透明感を演出しております。
そしてもう一つYUIさんの曲から聴いてほしい曲があります。

こちらもYUIさんの代表曲の一つ『Good-bye days』です。この曲もイントロ部分の(0:49~1:02)に注目して聴いてみてください。こちらの空間系エフェクトは
  • リバーブ
  • トレモロ
を使用しています。いかがでしょうか?こちらは独特な浮遊感を感じられると思います。
このようにクリーンギターに空間系エフェクトを加えることで様々な雰囲気を演出することができるのです。
ちなみに筆者は絶賛YUI世代です。(^^;)中学生の頃にめちゃくちゃ流行っていましたし、今でもYUIさんの曲が好きです。

空間系エフェクトの基本はリバーブ+α


空間系エフェクトの基本はリバーブ+αです。こちらの動画ではクリーンギターにリバーブ+フェイザーでシューゲイザー風のギターサウンドを作っています。リバーブ+αのよくある組み合わせを紹介します。
  • リバーブ+ディレイ
  • リバーブ+コーラス
  • リバーブ+トレモロ
  • リバーブ+フェイザー
これら4つが空間系エフェクトの組み合わせとしてよく見られるものです。
一度これら4つを実際に試していただいてその耳でどのような効果が出るのか感じてみてください。さらにはこの二つの組み合わせのみならず3つかける場合も全然あります。私がよくやる空間系の組み合わせは
  • リバーブ+ディレイ+コーラス
この3つの組み合わせをよくやります。

リバーブ+コーラス+トレモロで独特な音の揺らぎを演出する


王道の組み合わせはリバーブ+ディレイですがここで一味違った空間系の組み合わせを紹介します。
  • リバーブ+コーラス+トレモロ
この3つの組み合わせです。リバーブで奥行きを作り、コーラスとトレモロで音に揺らぎを与えることで独特な浮遊感が生まれます。
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リバーブはホール系リバーブを使用。
スクリーンショット 2022-01-04 10.41.22
コーラスはこのような値にします。MIX量はお好みで良いと思いますが僕は30%にしています。
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トレモロはRATEを1/16にします。これぐらい細かい方がちょうど良い揺らぎ具合になると感じております。
この組み合わせは先ほどのYUIさんの楽曲でも使われているような浮遊感を生み出せるのでぜひお試しあれ

空間系エフェクトを極めていくためにモノラルとステレオをもう一度理解しよう

DTMに触れてこなかったほとんどのギタリストはこれまでモノラルの空間系のみ使ってきたことかと思われます。
というのも基本コンパクトエフェクターはモノラルのものが多く、ステレオをギターを鳴らすなど全く考えもつかないからです。
DTMでは録り音に対してステレオの空間系を使用することができるのでさらに今まで以上にサウンドの幅が広がります。
空間
モノラルのディレイとステレオのディレイを組み合わせるだけでも音作りの幅はグッと広がります。
ステレオディレイやピンポンディレイも楽曲に組み込むだけでサウンドメイクは大きく可能性が広がりますので今一度モノラルとステレオの概念を確認することをオススメします。


おわりに

いかがでしたか?このようにクリーンギターは空間系エフェクトの組み合わせによりどれだけでも化けさせることができます。まさにエモ散らかしとはこのこと。
ぜひ今回紹介した空間系の組み合わせをご自身でお試しください。きっと楽曲制作の幅が広がると思います。
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体験レッスン
というわけでではまた

先日YOSAGYOから新作をYoutubeに投稿しました。

【IA】『Cold Blood』【オリジナル曲】by YOSAGYO
という曲です。じょびぃ(@the_JoBY55)さんとYOSAGYOという音楽ユニットで楽曲を制作しております。主にネット上での音楽活動を行います。制作した楽曲はYoutubeや音楽サブスクに投稿していきます。
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その名の通り、夜にDTMで制作作業を行います。音楽ユニットでの活動に伴い、ボーカルを募集します。

YOSAGYOのボーカリストを募集

YOSAGYOで作る音楽のジャンルはロック、メタル、ポストハードコアになります。なのでボーカリストの方はこれらのジャンルを経験、もしくは得意な方が望まれます。求めるボーカリストとしては
  • ロック系が得意
  • 女性ボーカル
  • 音楽経験3年以上
  • 歌唱力に自信がある
  • 宅録環境がある
  • DAWの操作に慣れている
  • データのやり取りのレスポンスの早さ
  • 精神的に健康かつ安定感のある方
これらに当てはまる方が望ましいです。基本的に全てデータのやり取りだけで楽曲制作を行うので宅録環境は必須です。また個人的に精神面の健康は選考する上で大事に考えております。
音楽ユニットということで楽曲制作を楽しむプロジェクトです。メンバー間で余計な心配をしたくありませんので精神面が健康な方を望んでおります。
向上心があり、柔軟にやり取りができる方はぜひともに高いクオリティの作品を作りましょう。

応募方法

応募が複数あることが予想されますので簡単なアンケートを用意しました。

応募される方はこちらのアンケートに回答し、送信。
zunx2に(@zunx2_dayo919)にDMで「ボーカル募集に応募しました」とご連絡ください。
多数応募があった場合には選考方法として実際に【IA】『Cold Blood』【オリジナル曲】by YOSAGYOを歌っていただき、オーディションという形になることも想定しております。
歌唱力に自信のある方は奮ってご応募ください。というわけで今日はこの辺で!ではまた

こんにちは
お久しぶりです。色々と多忙なため記事の更新が遅れております(^_^;)先日久しぶりにオリジナル曲を作りました。

『Night Owl』というオリジナル曲です。
今回はバラード系の曲を作ってみました。本当は一週間ほどで作る予定でしたが諸事情により2日間で作ることになり急ぎ足で作りました(^^;)こちらの曲を作っている時に聴きやすいメロディーラインを作るためのコツがまとまりましたので記事にまとめておこうと思います。
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1.メロディーラインは実際に歌って考える

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聴きやすいメロディーラインを作る上で最も大事なことは実際に歌って考える
ことだと僕は考えています。
DTMの場合、メロディーラインをMIDI入力する時があります。それは仮歌をボーカロイド、またはシンセリードで代用するケースです。
そういった場合にいきなりマウスぽちぽちでメロディーラインを考えるのは絶対に辞めましょう。
初心者にありがちな例としては人が歌うメロディーなのに息継ぎがない、もしくは音数は多すぎるなどが発生することがあります。これでは聴きやすいメロディーラインにはなりません。我々がやっているのはあくまでも音楽であり、MIDIのデータ入力ではありません。
メロディーラインには歌心が必須です。なのでメロディーラインを考える際には自分の口で歌ってみることをオススメします。賃貸であまり大きな声を出せない環境であれば鼻歌でも良いです。

2.煮詰まったら弾き慣れた楽器でもう一度考えてみる

YAMAHA ( ヤマハ ) / PAC612VIIFM IDB エレキギター PACIFICA(パシフィカ)
YAMAHA ( ヤマハ ) / PAC612VIIFM IDB エレキギター PACIFICA(パシフィカ)
「実際に歌って考えてみたけど煮詰まってしまった!」
きっとこのような経験があると思います。
この現象が起きている時はその曲のメロディーラインを歌って考えることの限界値にきている状態ですので一旦別の発想に視点を変えます。
歌ってみてダメなら自分が弾き慣れている楽器でメロディーラインを考えてみましょう。手癖を派生させていったものから良いメロディーラインが生まれることはよくあります。
  • 煮詰まったら一旦同じ方法はやめて視点をずらして考える
これはメロディーラインのみならず曲作りのあらゆる場面で使える発想です。ギターのリフを作る際にも煮詰まった場合には逆に口ずさんで考えれば良いのです。
大事なのは伴奏を聴いて自分が音楽的にどういう風に感じたか?その感じたことを素直にアウトプットしてみましょう。
「でも理論的にはこの音の並びが良い気がする…」このような声も聞こえてきそうですがそんなあなたにはぜひ洋楽を聴いてみてください。日本ほど細かいことを考えていないと感じられるはずです。

3.休符を意識する

初心者にありがちなメロディーラインに休符が少ないというのがあります。音数をたくさん入れたからといってそれが音楽的に心地良いか?というとそういうわけではないのです。
「自分のメロディーラインには落ち着きがない」と感じる場合は休符を意識してみてください。休符を意識するだけでもメロディーラインの聴きやすさが変わってきます。これは先ほども述べていますが休符がないメロディーラインにありがちなのは実際に歌って考えていないものが多いです。息継ぎも休符になりますから実際に歌ってみた時に「歌いにくい!」と感じたならば適度に休符を入れてみましょう。そうするだけでも聴きやすいメロディーラインに近づいていくはずです。

4.ボーカルの音域の最高音を使いすぎない

例えばその曲で歌う女性ボーカルの音域がmid2C hiC(低いド〜高いド)だったとしましょう。
その場合は最高音がhiCになるわけですが曲中で最高音を連発して使うとボーカルの歌声にどうしても歌いにくさが感じられるようなメロディーラインになってしまいます。最高音は歌えるからといって使いまくっても良いわけではないのです。ちなみに最低音に関しても同じように考えておいて良いと僕は考えています。そのため最高音は「ここぞ!」という時に使うことをオススメします。
主軸となるメロディーラインはなるべく最低音と最高音の中間辺りを使うようにすることで聴きやすいメロディーラインになります。

5.メロディーラインはリフレインで聴き手の脳内に刻み込む

メロディーラインを作る上で意識する大事な要素に一度聴いただけでも口ずさめるようなメロディーラインです。それぐらい印象強さがあるメロディーの方が聴きやすいことが多いです。印象強さのためにすることはリフレインです。
初心者の方は「これでもか!」と言わんばかりに何度も同じメロディーラインを曲中で使ってみてください。例えば私が先日作った『Night Owl』では
『なぜまだ繰り返してくの?』
『朝方眠りにつく』
『光が窓から射す』
が印象的なメロディーラインの一つになっています。

1番Bメロ1:02で最初にこのメロディーラインを使っていますが2番では2:32~2:44にかけて二度同じメロディーラインを使っています。
このようにクセのあるメロディーラインはリフレインさせることで聴き手の脳内に刻み込むことになり、一度聴いただけでも口ずさんでしまうような中毒性を与えることができます。
そのためリフレインはメロディーラインの単調さではなく使い方によっては印象強さを与える手法の一つだと考えて良いのです。

おわりに

いかがでしたか?とにかく大事なことはメロディーラインは絶対にただのデータ入力でやらないことです。実際に歌って考えるのが最も大事なことです。今回5つのコツを紹介しました。初心者の方はメロディーラインの考え方に苦戦されている方も多いと思います。悩んだ場合には一度デスクから離れて気分転換がてら散歩しながらメロディーラインを口ずさんでみてください。
僕はDTMオンラインレッスンをしておりますので興味がある方はTwitterのDMもしくはHPからお気軽にご連絡ください。
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というわけで今日はこの辺で!ではまた

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