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前回に続いて音楽理論についての記事を書いていきます。今回は作曲をする際に必要な知識。キーとメジャースケールについて説明していきます。

キーとは

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キー(Key)と聞くと日本人の私たちからすると一番聴き馴染みがあるのはカラオケでよく耳にしたことはありませんか?「この曲のキーを下げて」と一度は友達から言われたことはないでしょうか?
そのため我々日本人はキーと聞くと「曲全体の音の高さを言っているのかな?」と想像するはずです。
カラオケではキーを変えたらからといって曲そのものが大きく変わるわけではなく、使っている音程が変わりますよね。そのため普段歌えない歌もキーを変えることで歌えるようになります。
キーはどの音を主音として曲を構成していくかを意味するものです。

ドレミファソラシドはキーがC

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我々が幼い時、特に小学生の頃では鍵盤を眼の前にしたときに何気なくドレミファソラシドと弾いた経験はありませんか?一番聴き馴染みのあるあの響き、あれが実はキーCなのです。音程の記事ではドは英語ではCと言いました。Cを主音とした心地良い音の響き、CDEFGABCはキーがCなのです。


メジャースケールは全全半全全全半

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1オクターブ上には白鍵が7個、黒鍵が5個あります。合わせて12個存在しているわけですが、実際にテキトーでいいので12個使って音を奏でて見てください。
どうでしょうか?これは心地良い音の響きになりましたでしょうか?不快な音、いわゆる音痴な響きに聞こえませんでしたか?そうなのです。テキトーに12個の鍵盤を鳴らすだけでは心地良い響きにはならないです。実は心地良い響きを構成するためにはルールが存在しています。
もう一度CDEFGABCの音の並びに注目してみましょう。
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この並びをインターバルで考えた場合、全全全全全という並びになっています。まさにこれこそが心地良い響きを構成するためのルールなのです。そしてこの全全半全全全半のルールは別名メジャースケールと名前が付いており、Cを主音としたメジャースケールはつまりキーCのメジャースケールということです。
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Cubaseを使ってCメジャースケールを並べてみました。このようにするとさらにわかりやすく全全半全全全半のルールが確認できます。

全てのキーのメジャースケールの導き出し方

メジャースケール一覧表
キーCCDEFGAB
キーGGABCDEF#
キーDDEF#GABC#
キーAABC#DEF#G#
キーEEF#G#ABC#D#
キーBBC#D#EF#G#A#
キーF#F#G#A#BC#D#E
キーFFGAB♭CDE
キーB♭B♭CDE♭FGA
キーE♭E♭FGA♭B♭CD
キーA♭A♭B♭CD♭E♭FG
キーD♭D♭E♭FG♭A♭B♭C
先ほどメジャースケールは全全半全全全半のルールで構成されていると説明しました。勘の早い方はお気付きかもしれませんね。主音を変えて全全半全全全半と音を並べることでそのキーのメジャースケールを導き出すことが可能です。この記事を見たあなたは12個全てのメジャースケールを導き出すことができるようになったということです。

おわりに

いかがでしょうか?なるべく初心者の方にもわかりやすく噛み砕いて説明させていただいたつもりです。何気なく小学校の時に鍵盤ハーモニカなどで弾いていたドレミファソラシドはCメジャースケールだったと考えると偶然にしてはうまくできていると感じさせられます。主音から全全半全全全半のルールを守って音を入れていくとそのキーのメジャースケールが導き出せるというのも面白いですよね。
というわけで今日はこの辺で!ではまた

作曲初心者向けに音楽理論の記事も書いていこうと思います。
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まずは音楽理論の基礎的な部分、音程(インターバル)について説明していきます。

ドレミファソラシドの別名

音程の話の前に一つだけ覚えていただきたいものがあります。
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普段我々が使っているドレミファソラシという音の名前は英語ではCDEFGABCと呼びます。
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音楽理論では基本的にアルファベットの呼び方を使うのでこれは必ず覚えておきましょう。

完全1度(ユニゾン)

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1度と同じ音程。完全1度と呼びますがユニゾンとも呼びます。基本的に完全が付く音程差は響きが聴きやすく使いやすい音程です。

短2度(半音)

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1度から半音の音程差。短2度(半音)と言います。半音という言葉は頻繁に使われる言葉ですので覚えておきましょう。

長2度(全音)

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1度から2半音分の音程差。長2度。全音
と呼びます。こちらも全音という言葉は頻繁に使われる言葉ですので覚えておきましょう。

短3度

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1度から3半音分の音程差です。短3度と呼びます。

長3度

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1度から4半音分の音程差を長3度と呼びます。ここで法則性に気づいてきた方もいるかもしれません。基本的にCを基準に考えた場合に長という言葉が付く音程は白鍵盤になっています。

完全4度

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基準音から5半音分の音程差。完全4度と呼びます。完全1度(ユニゾン)の時と同様にこちらも完全という言葉が付きます。完全という言葉が付く音程はコード理論を学ぶ上で非常に大切になってきます。

完全5度

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1度から7半音上の音程差。完全5度と呼びます。ロックなギターサウンドでよく使われるパワーコードはこの組み合わせです。非常に安定した響きで聴きやすいです。4度と5度は完全という言葉が付くとセットで覚えておきましょう。

減5度または増4度(トライトーン)

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おっと、実は音程差を一つ飛ばして紹介していました。
全音3つ分、6半音上の音程差です。別の名はトライトーンとも呼ばれ、古くからは悪魔の音程とも呼ばれています。コード理論を勉強する上で非常に大切な音程差です。完全5度が下がる場合は減5度。完全4度から上がる場合は増4度。
もう一つ覚えておいて欲しいことが完全系音程は4.5度だけではなく1.8にも同様のことが言えるのです。(1.4.5.8)から半音広くなる場合は増音程。半音狭くなる場合は減音程になります。

短6度

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1度から8半音上の音程差。

長6度

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1度から9半音上の音程差。

短7度

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1度から10半音上の音程差。

長7度

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1度から11半音上の音程差。

完全8度(オクターブ)

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12半音上。完全8度と呼びますがオクターブとも言います。ギターのオクターブ奏法はこの音程差を使用します。非常に聴きやすい音の響きです。くっきりとした響きですので美しい響きを聴かせたい場合に使用されることが多いです。

おわりに

いかがでしたか?実際に鍵盤を使って音を確認してみると響きがわかりやすいです。音楽理論は作曲する場合に必ず必要か?と言われると必ずとは言い切りません。私自身も感覚で作ることが2,3年前がほとんどでした。しかしある程度、覚えてしまえばさらに楽曲制作の幅が広がると感じておりますのでこれから作曲を始める方は基礎的な部分でも良いので覚えておくことをオススメします。
特にこのインターバルについては誰かと楽曲を共作する際に覚えておくと役に立つことが多いです。
というわけで今日はこの辺で!ではまた

2020年10月1日施行の改正著作権法により無許可音楽アプリの運営など罰則の対象になりました。
音楽サブスプリクションサービスが世界的に流行している中、アーティストや権利者の許諾を得ずに無断で音楽を配信するアプリが存在していました。
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そのような違法音楽アプリは今後法的に罰せられることになりました。DTMが普及したことにより自宅で制作した音源をサブスプリクションサービスで配信する方が増えました。今回の改正著作権法はアーティストの未来を守る改正であります。

違法音楽アプリの対象

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主に違法な対象は大きく2つになります。
  • 違法音楽アプリを提供する行為
  • 違法にアップロードされた音楽へのリンクを違法音楽アプリに掲載する行為
これら二つは確実に罰せられる対象です。
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さらに違法音楽アプリへのアップロードをする者、ダウンロードをする者も罰則の対象です。音楽を視聴できるアプリを使用する際には違法音楽アプリかどうかの確認をしましょう。

改正著作権法によりアーティストの未来はどうなるのか?

では今回の改正著作権法によりアーティストの未来はどのように変わっていくのでしょうか?まずはその前に違法音楽アプリ利用実態として無許諾音楽アプリ実態調査委員会による調査データを見ていただきたい。
[無許諾音楽アプリ] による楽曲の推計年間再生回数は115億回。

2013年からの累計再生回数は478億回にのぼる。

1日あたりの楽曲再生回数は「平日12.25回」「休日13.75回」

このように楽曲の推計年間再生回数は115億回も再生されているとのことです。違法音楽アプリにより再生回数分の収益はアーティストへ還元されません。アーティストへ収益が回らず、アーティストの創作活動は難しくなっていくばかりでした。
しかし、今回の改正著作権法により違法アプリが世の中から消え、正当な音楽配信サービスをリスナーが使用することでアーティストへ収益が回ることになります。アーティストの音楽活動の解散や休止は、音楽性の違いだけではなく実際には収益面での不都合も理由の一つだったりします。
アーティストの未来のためにも今回の改正著作権法は大きな1歩だということです。

音楽サブスプリクションサービスを利用しよう

音楽サブスプリクションサービスはたくさんのサービスがあります。
  • Apple Music
  • Amazon Music Unlimited
  • Spotify
  • YouTube Music
  • LINE MUSIC
ざっと代表的なサービスを5つ述べて見ました。あなたがアーティストを応援したいのであればこれらのサービスを利用することをオススメします。あなたの再生数がアーティストの未来のサポートになります。私自身はApple Musicを利用していますし、私の楽曲もApple Musicにて配信しております。個人的にApple MusicはiPhoneを使用されている方に利便性の高いサービスだと感じております。たくさんのサービスがありますので自分にあったものを探してみましょう。

おわりに

いかがでしょうか?私もオリジナル曲を配信しているのでアーティストにとって非常に嬉しい改正法だと感じております。音楽サブスクサービスは世界的に流行してきているのでこの流れはアーティストの未来にとって素晴らしい流れではないでしょうか?あなたの好きなアーティストを応援する気持ちも込めて再生をしてみてください。というわけで今日はこの辺で!ではまた

作曲をしていて「曲が単調になってしまう…」といった経験はありませんか?そんな方に少しでも楽曲の単調さから脱却するための気をつけるポイントを5つ紹介します。
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1.「1番をそのままコピーして2番を…」は絶対にやめよう

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「展開が思いつかないから1番をそのまま2番にコピーして使い回そう」というのは考えものです。
まさに曲が単調になってしまう代表的な例と言っても良いでしょう。BGMのようにループさせて使うものであれば良いですが歌モノであれば2番は1番と違った展開を作りましょう。
「どうしても2番の良い展開が思いつかない」という場合はコード進行やメロディーは1番と同じでもリズムを変えてやるだけで違った印象になります。

2.曲中のブレイクはちゃんと入れているか?

リスナーが聴いていて疲れてしまう曲になっていないか?を意識するだけでも楽曲の単調さから脱却が可能です。特に「曲中にブレイクをちゃんと入れているか?」をもう一度確認してみましょう。ブレイクを入れる代表的な例としては
  • サビ前
  • ラスサビ
  • 間奏前
です。特にサビ前のブレイクは王道です。一瞬だけ楽器陣が静かになり、ボーカルだけ残るといったパターンは誰しもが耳にしているのではないでしょうか?普段何気なく聴いている曲でもこのブレイクが使われていることが多いはずです。曲中でブレイクが使われているところを意識して聴いてみると何か発見があるかもしれません。

3.展開ごとに盛り上がりの緩急を意識する

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「自分の曲はなんだか単調だな…」と感じる方は展開ごとの盛り上がり度を考えてみましょう。例えば常に100%で盛り上がりっぱなし!という曲が何曲もあったらそれだけでも「聴いてて疲れそうだな…」と想像できると思います。
  • イントロ70%
  • Aメロ50%
  • Bメロ30%
  • サビ80%
  • 間奏70%
  • ラスサビ100%
このように展開ごとの盛り上がり度を意識して曲を作ってみましょう。

例として私がYoutubeに投稿しているこの曲では展開ごとの盛り上がり度に緩急が感じられるはずです。
盛り上がり度は楽器の数、コード進行、メロディーラインなどあらゆる要素から考えられるものですので自分なりに楽曲の盛り上がり度を構成するものは何かを考えてみましょう。

4.メロディーラインに休符やロングトーンを組み込んでいるか?

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聴きやすく飽きさせない曲を作るためにはボーカルのメロディーラインも非常に重要です。作曲初心者にありがちなのがメロディーラインの音数がやたら多いというもの。
もしメロディーラインで悩んでいるならば今すぐにでも聴きやすいメロディーラインを作るために意識できることがあります。
それは休符やロングトーンをちゃんとメロディーラインに組み込んでいるか?ということです。音数が多いだけでは良いメロディーができるわけではありません。休符やロングトーンの組み合わせがあるから聴きやすいメロディーラインは生まれていきます。

5.曲中で転調させて意外性を生み出そう

楽曲の単調さを避けるためのテクニックとして転調も一つの手です。最近のアニソンでは曲中に何度も転調する曲がよくあります。
転調の種類としては大きく分けて一時的に関係調の中で転調させるものと半音上のキーへ転調させて本格的にガラッと変えてしまうものがあります。
特に後者の転調のパターンはラスサビで楽曲全体を盛り上げるために使用されることが多いです。

代表的な例としては宇多田ヒカルさんのFirst Loveのラスサビ部分の転調です。

おわりに

いかがでしょうか?特に作曲初心者の方は曲が単調になってしまうといった経験は絶対にあるはずです。ブレイクを要所要所にちゃんと入れてあげて、曲の盛り上がり度を意識してみるだけでも単調さから脱却するきっかけになると思います。私自身も常日頃から意識していることでもあります。
今回紹介した5つが制作の参考になると幸いです。というわけでではまた

DTMをする上でMIXは避けて通れない道です。その上でどうしても直面してしまう壁は再生環境による音の違いです。いわゆるMIX沼にハマる原因の一つでもあります。
これを乗り越えるためのヒントとこの記事では説明していきます。あくまでも個人の考えを主張する記事ですので参考程度にしてもらえると幸いです。

YAMAHA ( ヤマハ ) / HS5 定番スタジオモニター ペア
YAMAHA ( ヤマハ ) / HS5 定番スタジオモニター ペア

再生環境によってそれぞれ音の特徴が違う

極論を言ってしまえば全ての再生環境が一つに統一されてしまえばこの問題はそもそも発生しません。
しかしそれは現実的にあり得ない話です。そのため再生環境による音の違いは避けて通ることはできません。
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↑スマホの再生帯域のモデリング
例えばですがスマホの再生環境は画像を見ていただくとわかると思いますが低域はほぼない状態です。
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↑私のモニタリング環境
モニタースピーカーやヘッドホンは低域を再生してくれるため作曲中やMIX中は低域をちゃんと聴いて作業ができます。しかし先ほどスマホの再生帯域を見ていただいた通り、いざミックスダウンをした後にスマホで聴いた場合には「あれ、スマホだと全然低域が聴こえない…」といったギャップが発生するわけです。これが再生環境による音の違いというわけです。

自分のモニタリング環境を信頼することの大切さ


↑再生環境による音の違いにどう対応していくかを解説した動画です。
動画の中で詳しく説明していますがとにかく大事なことは自分のモニタリング環境を信頼することです。
もし自分のモニタリング環境が信頼できていない場合はまずは信頼できるモニタリング環境の構築を行いましょう。
明確な基準となるモニタリング環境ができていれば、もし違う再生環境で音源を聴いた場合でも音質の変化は自分の計算内で収まっていくはずです。その結果、音質の違いのギャップに戸惑うことも無くなっていくといった考え方です。

MIX沼に一番ハマりやすいのは信頼できていないモニタリング環境でMIXをすること

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動画でも説明していますが一番MIX沼にハマりやすい原因は自分のモニタリング環境が信頼できない場合です。私の考えとしてはプラグインを買うよりもまずは先に信頼できるモニタリング環境の構築を優先することが大切です。
どれだけMIXに時間をかけたとしてもスピーカーから出る音を信頼できていないのであればあなたはこれkらもずっとMIX沼にハマっていくことになります。
本来はMIXという作業は作品を作るための工程の一つなだけでMIXをすること自体が目的ではありません。作品を完成させるためのMIXです。
迷いの少ない状態で集中しやすい環境で作業をし、MIX沼に悩んでいる人はなるべく早くMIXを完了させるためにもプラグイン収集よりも先に信頼できるモニタリング環境の構築をしましょう。

おわりに

いかがでしょうか?動画を見ていただけるとわかりやすく解説しておりますのでぜひ参考にしてみてください。というわけで今日はこの辺で!ではまた

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